Картина - Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения.
Год создания - 1944,
Холст, масло 51× 40,5 см
Музей Тисенна-Барнемисы, Мадрид
Если верить рассказам Дали, он дремал за мольбертом, держа в руке ключ, кисть или ложку. Когда предмет выпадал и ударялся о положенную заранее на пол тарелку, грохот будил художника. И он немедленно брался за работу, пока не улетучилось состояние между сном и явью.
О картине Дали говорил так: «Целью было впервые изобразить открытый Фрейдом тип долгого связного сна, вызванного мгновенным воздействием, от которого и происходит пробуждение».
Фрейд описал его как сон, сюжет которого вызван каким-либо раздражителем извне: подсознание спящего человека идентифицирует этот раздражитель и превращает его в образы, которые имеют определенное сходство с источником раздражения. Если раздражитель несет угрозу в реальности, то и во сне он примет угрожающий облик, который спровоцирует пробуждение.
В нижней части картины изображена спящая обнаженная женщина, будто бы парящая над каменной плитой, которая омывается морем. Море в творчестве Дали означает вечность. Фрейд сравнивал психику человека с айсбергом, на девять десятых погруженным в море бессознательного.
Женщина на картине это Гала, которую художник считал своей вдохновительницей и вторым «я». Она видит сон, изображенный на картине, и находится на границе двух миров — реального и иллюзорного, одновременно присутствуя в обоих.
Женщина слышит во сне жужжание пчелы над гранатом. Образ граната в античной и христианской символике означает возрождение и плодородие.
«Вся жизнетворящая биология возникает из лопнувшего граната», — комментировал картину сам художник.
Подсознание сигнализирует, что насекомое может быть опасным, и мозг реагирует, вызывая образы рычащих тигров. Одно животное выпрыгивает из пасти другого, а то в свою очередь возникает из распахнутого рта рыбы, выныривающей из огромного граната, который повис над спящей. Острые когти и зубы — символ страха перед жалом насекомого, как и ружье со штыком, который вот-вот вонзится в руку женщины.
«Слон Бернини на заднем плане несет на себе обелиск и атрибуты папы», — художник намекал на сон о похоронах папы римского, приснившийся Фрейду из-за колокольного звона и приведенный психиатром как пример причудливой связи сюжета и внешнего раздражителя.
Слона с площади Минервы в Риме, созданного мастером эпохи барокко Джованни Лоренцо Бернини в качестве пьедестала для древнеегипетского обелиска, Дали в дальнейшем не раз изображал на картинах и в скульптуре. Тонкие суставчатые ноги — символ зыбкости и ирреальности, присущих сну.
Картина - Герника
Год создания- 1937.
Холст, масло. 349 х 776 см
Центр искусств королевы Софии, Мадрид
Картина была написана в мае 1937 года по заказу правительства Испанской Республики для испанского павильона на Всемирной выставке в Париже.
Экспрессивный холст Пикассо стал публичным протестом против бомбардировки нацистами баскского города Герники, когда на город за три часа было сброшено несколько тысяч бомб; в результате шеститысячная Герника была уничтожена, около двух тысяч жителей оказались под завалами.
Картина Пикассо полна личными чувствами страдания и насилия.
В правой части картины фигуры бегут прочь от горящего здания, из окна которого падает женщина; слева рыдающая мать держит на руках своего ребенка, а торжествующий бык топчет павшего воина.
Сломанный меч, раздавленные цветок и голубка, череп (спрятанный внутри тела лошади) и поза павшего воина, напоминающая распятие, — все это обобщенные символы войны и смерти.
На руках мёртвого солдата видны стигматы (болезненные кровоточащие раны, открывающиеся на теле некоторых глубоко религиозных людей — тех, кто «пострадал как Иисус» Бык символизирует зло и жестокость, а лошадь — страдания невинных.
Некоторые испанцы трактуют быка - символ традиционной испанской корриды, как саму Испанию, которая отвернулась от происходящего в Гернике (отсылка к тому, что Франко разрешил бомбардировку своего города).
Вместе эти неистовые фигуры образуют подобие коллажа, выделяясь силуэтами на темном фоне, ярко освещенные женщиной со светильником и глазом с электрической лампочкой вместо зрачка. Монохромная живопись, напоминающая газетные иллюстрации, и резкий контраст света и тьмы усиливает мощное эмоциональное воздействие.
Картина - Обнаженная маха
Год создания - 1795-1800.
Холст, масло. 98x191см
Музей Прадо, Мадрид
В образе махи - испанской горожанки XVIII—XIX веков, художник вопреки строгим академическим канонам воплотил тип притягательной, естественной красоты. Маха - женщина, смысл жизни которой - любовь. Обольстительные, темпераментные махи олицетворяли испанское понимание привлекательности.
Гойя создал образ новой Венеры современного ему общества, мастерски показав молодость, живое очарование, таинственную чувственность соблазнительной натурщицы.
Молодая женщина изображена на темном фоне, поэтому все внимание зрителя привлечено к вызывающей обнаженности ее шелковистой кожи, которая становится, по сути, главной и единственной темой картины.
По выражению французского писателя и историка искусства Андре Мальро, эта работа «не столько сладострастная, сколько эротическая, поэтому не может оставить равнодушным любого мало-мальски чувственного человека».
Картина была создана по заказу Мануэля Годоя, первого министра Испании, фаворита королевы Марии Луизы, супруги Карла IV. Долгое время он прятал ее у себя в кабинете. В пару ей была также написано второе полотно - Маха одетая, которую Годой вешал поверх Обнаженной.
Очевидно, кто-то из шокированных гостей донес на сластолюбца, и 1813 году инквизиция конфисковала у Годоя обе картины, попутно обвинив Гойю в безнравственности и потребовав у художника немедленно выдать имя позировавшей ему модели. Гойя, несмотря ни на какие угрозы наотрез отказался называть имя этой женщины.
С легкой руки писателя Лиона Фейхтвангера, автора романа «Гойя, или Тяжкий путь познания», по миру пошла гулять легенда о том, что обнаженная маха — это Мария Каэтана де Сильва, 13-я герцогиня Альба, с которой у художника якобы была любовная связь.
В 1945 году, с целью опровержения этой версии, семья Альба вскрыла гробницу, чтобы измерить кости герцогини и доказать, что её пропорции не совпадают с пропорциями Махи, но так как могилу уже вскрывали, и тело герцогини выбрасывали наполеоновские солдаты, то в его нынешнем состоянии измерения провести не удалось.
В настоящее время большинство искусствоведов склоняется к версии, что на картинах изображена Пепита Тудо, любовница Годоя.
Картина- Менины
Год создания- 1656.
Холст, масло. 318 х 276 см
Музей Прадо, Мадрид
Наверное, Менины - это наиболее известная и узнаваемая картина художника, которую знают практически все. Это крупное полотно — одно из лучших произведений художника. Картина впечатляет своими масштабами и многоплановостью.
Для расширения пространства в нем использовалось сразу несколько мастерских художественных приемов. Художник разместил персонажей в просторной комнате, на заднем плане которой видна дверь со стоящим на освещенных ступеньках господином в черной одежде. Это сразу указывает на наличие за пределами комнаты еще одного пространства, визуально расширяя ее размеры, лишая двухмерности.
Все изображение немного смещено в сторону из-за полотна, обращенного к нам задней стороной. Перед полотном стоит художник — это сам Веласкес. Он пишет картину, но не ту, которую мы видим перед собой, так как основные персонажи обращены к нам лицом. Это уже три разных плана. Но и этого показалось мало мастеру и он добавил зеркало, в котором отражается царственная чета — король Испании Филипп IV и его супруга Марианна. Они с любовью смотрят на свое единственное на тот момент дитя — инфанту Маргариту.
Хотя картина называется «Менины», то есть фрейлины при испанском королевском дворе, центром изображения оказывается маленькая принцесса, надежда всего рода испанских Габсбургов на то время. Пятилетняя Маргарита не по возрасту спокойна, самоуверенна и даже надменна. Она без малейшего волнения и изменения выражения лица взирает на окружающих, а ее крохотное детское тельце буквально заковано в жесткий панцирь пышного придворного туалета. Ее не смущают знатные дамы — ее менины — присевшие перед ней в глубоком поклоне согласно суровому этикету, принятому при испанском дворе. Ее даже не интересует дворцовая карлица и шут, положивший ногу на лежащую на переднем плане большую собаку. Эта маленькая девочка держится со всем возможным величием, олицетворяя собой многовековую испанскую монархию.
Дальний план комнаты словно растворяется в легкой сероватой дымке, зато все детали сложного наряда маленькой Маргариты выписаны с мельчайшими подробностями. Не забыл художник и себя. Перед нами предстает импозантный мужчина средних лет, с пышными вьющимися локонами, в черной шелковой одежде и с крестом Сант-Яго на груди. Из-за этого символа отличия, которое мог получить только чистокровный испанец без капли примеси еврейской или мавританской крови, возникла небольшая легенда. Так как крест художник получил только через три года после написания полотна, считается, что его дорисовал сам король Испании.
Картина - Погребение графа Оргаса
Год создания - 1586-1588.
Холст, масло. 480 x 360 см.
Церковь Сан-Томе, Толедо
Самая известная картина великого и загадочного Эль Греко принадлежит к периоду расцвета его творчества. К этому времени художник уже выработал свою манеру письма, которую невозможно перепутать со стилями других живописцев.
В 1586 году мастер приступил к оформлению церкви Сан-Томе в Толедо. Центральным сюжетом была выбрана легенда о толедском святом, доне Гонсале Руисе, он же граф Оргас, жившим в XIII-XIV вв. Благочестивый набожный христианин, он прославился благотворительной деятельности, а когда в 1312 году умер, сам святой Стефан и блаженный Августин спустились с небес, чтобы придать земле достойного усопшего.
Картина визуально разделена на две части: «земную» и «небесную». Строгий ритм нижнего «этажа» противопоставлен барочной «верхушке». А там, на разных небесных уровнях, душу графа встречают Иоанн Креститель, Дева Мария, ангелы и херувимы. В центре восседает Христос. Летящий ангел высветлен белым– именно он возносит душу графа к небесам.
Христос, ангел с усопшей душой и дворянин внизу образуют вертикальную ось. Геометрические линии в построении композиции были очень свойственны Эль Греко.
Экспозиционная кульминация смещена к низу работы, туда, где Стефан и Августин, склонившись, опускают Оргаса в землю. Святые одеты в золотые наряды, которые перекликаются с фигурой ангела и одеждами Петра в верхней зоне. Таким образом, золотым цветом художник связал героев работы, относящихся к миру небесному, потустороннему.
Картина пользовалась огромным успехом в Испании во времена художника. Позже Эль Греко был забыт и заново «открыт» импрессионистами. Выразительная эмоциональная работа имеет огромное воздействие на зрителя. По свидетельству очевидцев - Сальвадор Дали даже потерял сознание у полотна. Пожалуй, такая характеристика исчерпывающа.